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推荐一些值得去扫荡的导演和演员

虹膜2018-11-14 15:17:39

虹膜读者群有一个固定的活动,每天轮流由每个群友为大家推荐一位自己喜欢的影人,并写写推荐的原因,自己为什么喜欢。时间一久,积累了很多推荐的影人。今天发出来的是读者二群的部分推荐影人记录。

 

感谢每一个人的推荐,即使限于篇幅,你的推荐没有出现在这里。


云文耀

推荐人:楊宇飛



我想推荐一个知道的人不多,却让人非常敬仰的人——云文耀。1938年生于内蒙,1962年毕业于北京电影学院,分配于北京电影制片厂。做过编剧、摄影和导演,炒过两任内蒙电影制片厂厂长。


以前那部《小花》,唐国强和刘晓庆那部,就他跟已经卧床的张铮导演一起拍摄的。拿过很多奖,中国的外国的,摄影的导演的,是属于最早一批在外国拿奖,用外国演员,用全球最顶尖的Panavision摄影机的中国摄影师和导演。


但这都不是我推荐老先生的原因,我推荐的原因是他的执着。 老先生出生内蒙,去过很多地方,与很多不同民族一起生活过,所以毕生的心愿是拍摄八部关于不同民族之间隔阂与情感的电影。而这样的电影是过不了审的,老先生知道,却不介意,他一直在等,等可以拍的那一天,在那一天到来之前,他的工作就是把剧本都先写好。可是一下子写了十三部,却一部也没能拍,老先生就把这些字典厚度的手写稿都叠得好好的,放进了冰箱,至于为什么放冰箱,老先生说冰箱坏了,不制冷,但还可以当书柜使。 


七年前,71岁的老先生还一直锻炼身体,准备为自己的片子做摄影做导演,跟我讲起剧本的时候踌躇满志眉飞色舞,剧本里面的画面被他描述得栩栩如生,让人觉得在戏院看了这场电影,豪不夸张,其中一个关于文革时期留学俄罗斯的中国学生的故事即便到了现在也难以忘怀。 


五年前老先生还在为自己的片筹备资金,准备拍的是一个三国交界的雪山里猎人与熊的故事。 三年前,再见到老先生的时候,片子依旧没能拍成,但老先生写出了第十四个剧本,这一次讲的不是民族,而是讲的一个退休了的老导演想重新拍片却饱受白眼的喜剧故事,最后的结局是老导演挽着老伴儿的手,离开了电影这个江湖。


故事里很多让人啼笑皆非的小事儿,有趣,但老先生明显没有前几年那么多话说了。老先生只是笑着「这个故事不准备拍了,只是写给自己而已。之前那十三个故事你有兴趣,拿去拍。」 最后摘录一句老先生的话吧,「电影里的每一格,如果不能为电影增光,就会为电影抹黑,因为电影里没有中间地带。」


代表作:《小花》



原节子

推荐人:游离散落



有一句玩笑话说,导演小津安二郎的电影分两半,一半属于原节子们,另一半属于笠智众以及几个可有可无的男人。这话过于绝对,毕竟小津安二郎的诸如《秋刀鱼之味》、《早春》等电影中也没有出现原节子。


然而原节子在小津的电影中温婉动人、安静淡雅的女性形象成为日本女性最具代表性的面貌,也成就了她国民女星的地位;而小津的创作也从她的加入开始进入巅峰时期,这样的互相成就不能不说是一段佳话。


小津和原节子合作的第一部电影《晚春》中,原节子扮演一个为照顾父亲而宁可牺牲幸福的女儿。温婉贤良中又隐藏着几分心事,看透人世的局限与苦楚,懂得生命的无常与慈悲。


《晚春》是两人「一拍即合」的成功发端,当年名列《电影旬报》评选年度电影的第一名。《东京物语》里,身为寡妇的纪子,大概代表了小津心目中的理想女性形象:美丽、贤惠、克制、孝顺、坚强,而这样完美的形象在影片最后对着镜头掩面而泣:「我不是什么好人,我很狡猾,我不象父母想的那样总是怀念昌二。」


在小津安二郎的自传《我是开豆腐店的,我只做豆腐》中,他写道:「我拍了二十多年的电影,像原节子那样能够深入理解角色并展现精湛演技的女演员非常罕见。」


代表作:《晚春》



吴念真

推荐人:夏之睿



吴念真的身份很多,但相较于称呼他为编剧、导演或者演员,我更愿意尊称他一声文人。 最早看他的电影是和杨德昌合作的《一一》,作为演员他是优秀的,电影里那个事业婚姻都面临中年危机的男人沉默隐忍,眼神永远游离在不知名的地方,不用明说就能从他的表演中感受到那种与平凡生活格格不入的疏离感,也许正是因为吴念真自己的压抑一面与角色相互融合了吧。


吴念真进行了三十多年电影编剧创作,获得过五次金马奖最佳编剧,《无言的山丘》《悲情城市》《客途秋恨》都是他最知名的作品。与包括侯孝贤、杨德昌在内的其他台湾新浪潮电影人一样,吴念真的作品始终聚焦于小人物的底层生活,围绕着淡淡的乡愁,通过关注台湾当代人的意识、心理状态表达自己对故土深切的爱与焦虑。 


先生读过很多书,这一点能在他的作品里看出来,说他是文人,也是因为他始终有着文人的清高气节。我一直认为他是个会讲故事的人,说故事的语调慢条斯理,红男绿女柴米油盐,不疾不徐地就能说出一个好故事。


吴念真先生曾说心之所至,即为故乡。看着他故事里那些在找寻身份、地域认同的普通人,好像会听到他也在反复问自己,客从何处来?


代表作:《无言的山丘》



山中贞雄

推荐人:Daming



推荐日本电影史上最有天赋的导演,山中贞雄。1909年11月8日,山中出生于京都市,父亲是扇子工匠。1927年,他进入影视公司,跟著导演城戸品郎工作,但合作不顺利。1928年,进入嵐寛寿郎的嵐寛寿郎制作公司(简称寛制),為给公司筹集资金,曾在大阪街头贩卖照相纸,但终究无法阻止公司解散的命运。


1929年3月,旧寛制成员追随嵐寛寿郎加入东亚。其后,山中以编剧的身份,用不同的笔名参与了「鞍马天狗 前后篇」「大利根の杀阵」「明暦风流阵」「右门一番手柄・南蛮幽霊」等电影的制作。1932年,由於「むっつり右门」系列剧本的质量获得信任,他受提拔导演了处女作「磯の源太・抱寝の长脇差」,被影评人岸松雄称为「寛制少有的天才」。


在电影「天狗廻状 前篇」制作后期,山中转入日活,并发表了作品「盘岳の一生」「街の入墨者」。1934年开始,与稲垣浩、滝沢英辅、土肥正干、三村伸太郎、藤井滋司、萩原辽、八寻不二组成鸣滝组,并用「梶原金八」的共同笔名发表了22部作品。他们对时代剧电影的创新,同时受到了影评人和观众的高度支持。


山中交友广泛,除了鸣滝组成员间的来往,不但与京都的伊藤大辅和伊丹万作关系甚密,跟东京的小津安二郎和清水宏也较为熟稔。1937年,他进入东京的P.C.L.电影(现东宝工作室)工作,拍摄了代表作「人情纸风船」。随后山中应召入伍,参加了侵华战争,并在中岛今朝吾中将的率领下,作为队长,参与了12月的南京大屠杀。他在中国各地转战,终因身患痢疾,于1938年9月17日病死在河南开封的开封野战医院,时年28岁,最终军衔为陆军歩兵曹长。


在山中贞雄5年的导演生涯中,他创作了26部作品(包括顶替拍摄的2部),但因为战争造成的遗失和烧毁,现今能看到的只有「丹下左膳余话 百万両の壶」、「河内山宗俊」、「人情纸风船」3部而已。即使如此,仅凭这3部电影展露的才华,就足够使他跻身日本影史最重要导演之列。


至于杰作「人情纸风船」,其艺术成就之高,对后世影片影响之深远,说是日本最伟大的电影之一也不为过。在此,我对这些电影作个简要评价。 


丹下左膳余话改编自林不忘的小说,对比原作就能发现,山中贞雄将一个冷酷狡诈的独臂独眼剑魔塑造得更为复杂,极具人情味,超越了小说脸谱化的形象。而电影中错落有致的小镇,配上抑扬起伏的曲调,活脱脱一个充满温情的旧时代日本。


河内山宗俊则是一个颇有古典戏剧意味的故事,各阶层的角色塑造同样成功,昭和女优原节子在片中正值青春少女,表现不俗。而人情纸风船以街道的视角审视日本底层人民的生活,很残酷但饶有趣味。


片中人物都有非常鲜明的个性,不乏幼稚,贪婪和市井的算计,却都无伤大雅而饱含生活情趣。相形之下,镜头中的精英阶层彷彿顺理成章地压迫别人,极尽蛮横和残酷。故事首尾呼应的处理直指了社会结构的不公平,也使作品极富宿命感,真实感。


回看很多日本导演的作品,都能看见山中的影子:小津安二郎对于复杂人物关系的探讨(浮草),黑泽明对于底层人群的关注(低下层),以及小林正树对于武士没落的嘆息(切腹)。这里是否有直接的影响,大概难以确定,也并非问题关键。


我倾向于认为,山中贞雄的电影恰恰切中了日本文化中的某些本质,并精准地把握了人性当中的共通之处,因此得以在其他电影中投下如此多的影子。短短数年导演经验,能有如此成就,实属罕见。而跟他合作过的时代剧巨星大河内传次郎、市川右太卫门以及河原崎长十郎,都留下了让人印象深刻的萤幕形象。


如果山中能够拍出更多的电影,最终会有多大的成就和影响呢?这个问题永远都没有答案,而我们能看到的,就只剩下三部电影而已。


代表作:《人情纸风船》


 

原田美枝子

推荐人:new order



就我自己的观点来说,演员最重要的素材就是自己的身体,最大限度发挥自己身体的美感与力量是演员最重要的任务。因此,在艺术创作需求下,在大银幕上裸露自己的身体来传达强烈真诚的情感本是分内之事。但禁忌的幽魂无处不在,尤其是儒家伦理阴影下的东亚,对于演员在银幕上袒露身体诸多舆论。因此便形成极端,裸露者大多为了裸露而裸露,而演绎优秀者大多极吝啬身体的展现,唯恐贴上「不洁」的标签。


因此,当我在日本巨匠深作欣二的杰作《火宅之人》(1986)中看到原田美枝子的演出时实在有些震撼。实在因为她不仅在银幕上大方展现自己优美的酮体,而且在这些裸露的戏份里,她亦传达出人物所拥有的那种飞蛾扑火般的炽烈情感,使得这些表演成为整个人物塑造十分有机的部分,自然而必然,让人不禁为人物的愉悦与悲伤所动。


之后在另一部更早期日影杰作《青春杀人者》(长谷川和彦导演,1976年)中,看到了她更有爆发力的表演。在这部作品中,原田美枝子呈现了更多更坦率的裸露戏份,表演得十分真挚自然,是将影片那种愤怒、绝望、迷惘的氛围推向极致的主要驱动力之一,她与男主角在杀人分尸后在血泊中沐浴做爱的那场戏是我印象最深的性爱场景,而这部影片也成为我日影最爱之一。


而在1998年的《乞爱者》(平山秀幸导演)里,原田美枝子更是一人分饰两角,将母女两角各不相同的性格与情感表达得丝丝入扣,获得了当年日本电影学院奖最佳女主角。她塑造的角色里,大家最熟悉的是《乱》里那怨毒残忍的枫夫人,下个月北京电影周这位优秀的演员也会作为嘉宾出席相关的放映活动,希望群友们能去到现场感受她本人的风采。


其实她的演艺生涯漫长而履历丰富,我看到的仅是少数几部,但却让我印象极其深刻。她的表演总的来说戏剧张力十分强烈,肢体语言丰富,动作幅度大,却又真挚自然,因此在表演那些显得夸张过火的戏份时却不会让人觉得别扭,反而能产生情绪的共鸣。


我并不太了解好的表演有什么样的标准,但是在我看来像原田美枝子这样擅用、敢用自己的整个身体的美(不仅仅是表情)来传达情绪营造氛围的演员就是好演员。


代表作:《乞爱者》



Ernst Lubitsch

推荐人:一个落跑的冬天



最近补了刘别谦的四艳史系列,所以推荐导演恩斯特·刘别谦。刘别谦是一位德国导演,被广泛认为是德国电影史上影响最大的导演之一,他早期在剧团里跑龙套,后又在片场兼职,接着尝试自己编剧和导演。


在四艳史系列(赌城艳史、璇宫艳史、红楼艳史、驸马艳史)中他将19世纪末欧洲流行的轻歌剧引入了电影,将电影变成叙事歌舞片,同时还塑造了一对传奇的好莱坞银幕情侣珍妮特·麦克唐纳和莫里斯·切瓦力亚。 


在提到刘别谦的时候必然要提到他出名的「刘别谦笔触」,也有译成「刘别谦触动」和「刘别谦轻触」。「刘别谦笔触」是一种叙事手法,打断剧情更迭,将注意力集中到某个对象或小的细节上,以慧黠风趣的方式评论主干内容或突然揭示其与主干内容的关系。


在《天堂里的烦恼》里让我印象深刻的一部分戏份几乎都是由落地钟敲动的声音,开门声关门声,小座钟指针变化,电话铃声,主人公画外音来完成,由此揭露剧情。以物喻事的精简镜头语言运用引人遐思。


刘别谦擅长引导观众去意会和分析剧情,「意在言外,自可默识于心」。比利·怀尔德在他的十大编剧准则中就这样说过「刘别谦定律」:我们只做2+2,让观众去得出4的结论。


我喜欢刘别谦的一点还在于他的喜剧笑点看上去是若无其事,吊儿郎当的调侃,却不酸刻,有一种刚好挠到心里痒痒的微妙感觉。刘别谦的幽默貌似矜持,却也很狡猾,他抓住当时美国人的心理,牢牢锁住自己讽刺的两大主题——性和金钱。


我欣赏他在于他讽刺剧中人物在此主题上不光彩行径和缺点怪癖时,讽刺得坦荡又幽默,并不加以道德批判,而是报以宽容。


代表作:《街角的商店》



Eric Rohmer

推荐人:视与听



那么今天我推荐的影人是法国新浪潮中的侯麦(Rohmer)。在新浪潮的五虎将之中,Eric Rohmer(埃里克•侯麦)是最低调的一位。他是《电影手册》的革新者,是作家、编剧、导演和影像创造者,他在每一个身份里,都发挥着无穷的想象力,是名副其实的艺术大师。


不同于剑走偏锋的戈达尔,或是雅俗共赏的特吕弗,侯麦用朴实无华的场景和引人深思的对白,记载了不同年代的法国男女,他们心底最赤诚的爱以及对生活的渴望。无论你喜欢与否,侯麦始终用他电影里的哲性光辉,照耀着一代又一代热爱电影的观众。 


先锋影评人,侯麦与同样是新浪潮中坚力量的夏布洛尔一起,对希区柯克进行深入细致的研究,合著了一本名为《希区柯克》的书。从天主教的信仰入手,分析了希区柯克电影的精彩之处,由此纠正了大部分观众对希区柯克电影「过于娱乐化」的解读,标新立异的作风和独树一帜的思考方式,让侯麦从影评人里脱颖而出,也因此奠定了他后来在新浪潮电影中的风格走向。


新浪潮,早期侯麦的电影并没有受到很大的关注,尽管受挫,但并没有放弃。而侯麦的崛起来自于「六个道的故事」系列影片,它们的灵感创作来自于德国导演F•W•茂瑙的《日出》:一个已婚男人被另一个女人所诱惑,但最终回到了原配的身边,此系列探讨更多的,是角色本身如何去思考他们的行为而非行为本身。


此外,角色间理性谈话的方式,自然演变出侯麦之后电影的雏形。侯麦的「六个道德故事」系列影片分别是《面包店的女孩》《苏珊娜的故事》《女收藏家》《慕德家的一夜》《克莱尔的膝盖》《午后之爱》,侯麦在拍完这部系列后说:「我想通过这六部偏离主流价值的电影,去表现深藏在人们心底的潜意识,这也是为什么主角会以第一人称的旁白叙述,主人公会自我剖析他的行为,我很享受这个特殊的过程。」。


大师修成,处于过渡期的侯麦改编拍摄了海因里希•冯•克莱斯特的小说《O侯爵夫人》,然后在口碑较差的《帕西瓦尔》问世后,侯麦开启了他导演生涯的第二个辉煌——「喜剧与谚语」系列。「我最感兴趣的,就是挖掘出人们是怎样运转自己的想象力的,有时候过度思考所带来的想法可以改变现实的状况。」


基于侯麦酝酿了将近30年的点子,《沙滩上的宝莲》应运而生,为他夺得了柏林国际电影节的最佳导演银熊奖。之后源于对自然的憧憬,侯麦拍摄了此系列中最知名的《绿光》,此片也为侯麦斩获了威尼斯电影节的金狮奖。


九十年代,「四季的故事」作为侯麦最后的系列电影登上了大屏幕,这一系列的诞生,象征着侯麦走向了巅峰,它们延续导演对「情爱游戏」的深入探究,四季的循环如同生命的圆圈,这是成长的季节,这也预示着谢幕将至的坦然。


2000年后,年过80的侯麦,作品数量骤减,《英国贵妇和法国公爵》在戛纳的公映惹来非议,他对法国大革命的刻画被戏称为对君主制度的宣传。继2001年获得金狮奖终身成就奖后,2007年的《男神与女神的罗曼史》在威尼斯公映成为他隐退的讯号,2010年,因不明原因的病状进入医院一周后「新浪潮最后的隐士」侯麦离开了人世,他的灵柩被送往蒙帕纳斯公墓的13区。 


六个「道德」出轨的男主角最终回到了最初恋人身边,而「喜剧与谚语」系列里,侯麦的视角从花心的中年男人转向了痴情的清纯少女,她们处于对异性的懵懂探索时期,又有着属于那个年龄段的自以为是的「老练」,每每用固执的方式营造罗曼蒂克,却被无情的现实和令人迷惑的感情和情感纠葛所阻拦和侵蚀。


无论何种阶段的男女,他们在传统的的社会道德观念外,都有着属于自己的隐秘价值观。这些观念并非违背自然规律,而是主人公内在兴趣和感情。侯麦就是把平凡人的内在想法剖解开,让观众透过现象去看,人的本能欲望到底是什么。


侯麦是电影史上为数不多的前后风格极为统一的导演之一,他的电影也涉及到大量的戏剧和小说,古典的三幕剧的形式、爱情忠贞的主旨以及神秘隽永的神话背景,无形为晚年的侯麦打开了一扇新的窗口,纯粹的文学格调,作为侯麦哲学式表达上的润滑剂,使他的电影更容易俘获普通观众的文艺心灵。


侯麦在电影摄影方面也从来不以暴力或者猎奇的镜头取胜,他极少采用奇特的角度,也避免无节制的运动,尤其是在两个人物的对话过程中 ,侯麦放弃了谁说话拍谁的方式,他会把镜头一直对准某个聆听者,在观众尚未发现的时刻推进镜头,用十分贴近人物面部的视角,去捕捉角色的细微情感变化一刻也不放松。


在「极简主义」的皮囊之下,两性间弥漫的情欲、歇斯底里的过激行为,以及让人沉迷的古典文化气息,才是侯麦迷最大的享受。 色彩也是侯麦布置影片情调的一大法宝,自从他的电影光谱从黑白转向了耀眼的彩色强光,缤纷的环境就更能细腻地展现出男女间剪不清道不明的情欲。


对于一些电影评论家在诟病侯麦总是一遍又一遍重复讲述类似的电影,侯麦回应说「其实我的每部作品彼此都有联系,放在一起看,才能发现其中蕴含的乐趣,它们都可以互相参考。的确,观众告诉我,你的电影都很类似,这无可厚非,因为是我个电影作者,我按照自己的喜好选择题材和拍摄方式,并且将我的想象投射到胶片上。」 


这就是侯麦,一个风格大师,一个「顽固」的影像哲人。 最近很是着迷,分享给大家。


代表作:《慕德家一夜》



Max Linder

推荐人:猫爪胡



法国喜剧之父Max Linder,他也是Charles Chaplin十分敬重的导师。Chaplin从未在任何公众场合掩饰过对老师的敬慕之情,在林戴去世后,Chaplin关闭工作室一天以表哀悼。


Max Linder出生于一个富裕的家庭,17岁就读于波尔多音乐戏剧学院。在他进入演艺圈后,直到1914年,再没有任何一个明星的光环比他还要大。即使Max Linder后来被推到这么高的位置,与格里菲斯早期作品众多但并无新意的影片相比,Max Linder显然并无二致。


如Max在百代公司的初期成功作品《初学溜冰》(1907 The Skater's Debut),与同期的安德烈第特的丑角滑稽片并没有什么区别。后来林戴首先开始改变的是他的装扮。林戴的这个改变,使得当时很多人开始改观对滑稽片的看法。因为在为数很短的时间段内,喜剧片作为还只是停留在「杂技」「扮丑」的范畴内。


无疑,林戴向大家引入了一种全新的喜剧概念。萨杜尔对林戴的喜剧表演给予了极大的肯定——「他虽不轻视夸张的效果,但他首先利用的则是处境的离奇/细致的心理观察和流行的风俗特点。」他并不想如常饰演一个不具备辨识度的,技巧高超的杂技演员。


林戴对自己的定位非常准确。他具备极其丰富的面部表情以及正确但又夸张可笑的动作技巧。他善于通过大特写来展现自己的面部特色,同时伴之简单明了的富于节奏性的剧情,这些都具备深刻的法国喜剧特性,因此,林戴迅速扬名世界。


其中一个最好的幽默类型的比较成功的例子之一就是《Max和雕像》。本剧主要阐述Max穿上盔甲出席一个化装舞会。在聚会饮酒过量后,他通过了人行道上。同时,铠甲的新衣服在卢浮宫亮相,第二天被偷走了。警方介绍,在发现盗窃,偶然发现Max。他们带他回到卢浮宫。然后盗贼返回。然而林戴早在藏身之处,他吓跑了盗贼,在电影的最后一刻,Max漫步而去,拨弄着吉他。


在此期间,Max创造了「Mad Max」(疯狂的麦克斯)形象,并开始自己编写简单情节的电影剧本。 林戴前半生的顺风顺水完全不像是那时候「喜剧终归具备一个悲剧内核」的喜剧演员们。


随着1914年第一次世界大战的打响,林戴本人想要参军入伍被拒。但随后他被允许作为一个司机往返于巴黎,不幸的是在第一次海上战争之时,林戴的车子不幸被击入水中,从此开始林戴的肺部隐疾就伴随着他的后半生。


伤病无疑对林戴这个天才是重创。但好在1916年,他与爱迪生的托拉斯所下属的Essanany(爱赛耐)工作室签约,由于Chaplin刚刚脱离Essanany(爱赛耐),故高管想要从欧洲将大神林戴请到美国与Chaplin相抗衡。此时林戴的片酬由电影时长来计算,薪酬高,制片公司也给予重望。但是他的「Max」系列显然并没有受到美国人的欢迎。


再者,伤病归来摄影棚的林戴此时早已被夏尔洛所取代。林戴在美国拍摄的影片《不幸的七年》《穷火枪手》虽然不卖座,但仍然展示了林戴的表演才能。而回归故土之后,林戴于1922年与冈斯(Abel Gance)合拍了《Help!》。


然而这部冈斯导演的作品于1924年英国上映;而美法两国则推迟至1925年。就在此时林戴的抑郁症愈演愈烈,并伴随着神经衰弱。这直接导致林戴的电影创作不能如期完成,而就在《Help!》上映的1925年,Max Linder与妻子一同在酒店自杀身亡。


代表作:《七年厄运》



Stephen Mirrone& Douglas Crise

推荐人:沙丁儿


我推荐影人:Stephen Mirrone和Douglas Crise。


剪辑师问科比:"科比,你为何如此成功?" 科比反问:"你知道洛杉矶每天凌晨4点的样子吗?" 剪辑师:「我知道一天24小时的任何样子……」 于是科比退役后选择转做一名剪辑师,走向更大的成功。


身处后期苦海里生死不能自已,所以在今天给大家推荐影人剪辑师Stephen Mirrone和Douglas Crise。剪辑师属于后期范畴,属于幕后的幕后。


观众可能会因为巨星加盟而关注影片~也可能是因为名导的作品加深期待~甚至如果影片镜头语言惊艳了你,可能也会关注一下影片的摄指。但是却很少有人关注影片的剪辑师。


但就影片制作过程来说,除开导演,剪辑师是对影片掌握最全面的人,甚至有的导演会选择自己制作后期,譬如去年大火的《心迷宫》就是导演亲自操刀。概因为剪辑师必须深刻体会导演的意图,在全局的视角下,通过对不同片段序列的安排调度,才能完成故事讲述。


简单介绍一下Stephen Mirrone和Douglas Crise,这两位可以说是亚历桑德罗.冈萨雷斯.伊纳里图的御用剪辑师,从「死亡三部曲」的第二部,《21克》(21 Grams,2003)和第三部《通天塔》(Babel,2006)开始,Mirrione还剪辑过伊纳里图的《美错》(Biutiful,2010)。


还有最为人所熟知的前年奥斯卡最佳影片《鸟人》。看过鸟人的或者听说过的朋友应该都知道这是一部号称一镜到底的影片,所以伊纳里多拿到了最佳导演,摄影师卢贝兹基捧回了最佳摄影。相信很多人都以为一镜到底的片子后期剪辑被省去了,全靠导演和摄像在现场调控。但是实际情况完全相反,《鸟人》的拍摄对于剪辑师的要求大大增强。


总结起来,有两个原因,一是常理来看剪辑都是属于影片的后期阶段,是指拍摄完成后,安静的黑屋子里的素材处理。但《鸟人》一片剪辑师最大的难度就是拍摄时间与剪辑时间同步,在拍摄现场两位剪辑师直接参与影片制作,必须在拍摄同时考虑素材的组接,可以说剪辑师的难度,相当于从录播变成了直播。


二是剪辑的无痕迹要求。比起电影制作团队的其他成员,剪辑师常会尽己所能隐藏工作痕迹。他们擅于隐藏场景中的成百上千个决定,这在《鸟人》表现得极为明显。看似一镜到底的影片要求剪辑师完全不能运用平时的剪辑技巧,譬如说剪辑师最爱的特写画面,剪辑师对于特写画面的自由运用是剪辑师最擅长隐藏痕迹的手段,但是这部片子里几乎没有特写镜头,所以剪辑师必须在拍摄现场指导摄影师,消除所有的镜头组接痕迹。


从这一点上说明这两人做得不赖。(关于特写镜头的作用,就我个人体验来说,算是傍身利器,尤其对于小成本制作来说,基本上前期不能布景,灯光匮乏,镜头组接考虑不周等一系列问题都可用之解决)。


写这段的时候,突然想到了年初网上大火的纪录片《我在故宫修文物》,片中所传达的工匠精神为人津津乐道。我在看片时,看到这些修文物的工匠,却想到了剪辑师这一工作。这两者工作有一个共同的特点都令人感动不已。


工匠通过精湛的技巧力图修复文物,而令他们为之伤神的一大难点就是如何让自己的修复不露痕迹,剪辑师的工作也是一样。他们所努力和付出的终极目标就是让所有看到成品的观众完全感受不到他们的付出和努力。


这也是我认为《我在故宫修文物》能够大火的一个重要内核,也可以说是这部纪录片内在的矛盾点(大家都知道纪录片好看在矛盾冲突的地方,因为这个我还跟导师争执了好久。)或许工匠精神真的只存在于这样的行业,因为能够坚守在以隐匿痕迹为追求的行业里,有一点恐怕不容否认,就是他们真的非常热爱这一工作。


代表作:《鸟人》



Barbara Stanwyck

推荐人:annie



今天我要给大家推荐的影人是一位美国女演员,她被美国电影学会评为「百年来最伟大的女演员」第十一位,她是芭芭拉·斯坦威克(Barbara Stanwyck)。


斯坦威克从十多岁开始表演,直至古稀;在59年的演出生涯当中,贡献了93部电影电视剧作品,包括经典黑色电影《双重赔偿》、神经喜剧《淑女伊芙》、《娃娃脸》、《电话惊魂》以及电视剧《荆棘鸟》等等;与导演弗兰克·卡普拉、普莱斯顿·斯特奇斯以及演员加里·库伯、罗伯特·泰勒、威廉·霍尔登等都有多次合作。


其中,她在与罗伯特·泰勒共同出演电影《嫂夫人》时,生出情愫,并于两年后结为夫妻;这是斯坦威克的第二段婚姻,持续了12年。


最开始注意到斯坦威克,是比利·怀德那部非常著名的黑色电影《双重赔偿》。一方面是因为斯坦威克蛇蝎美人的定位的确很诱人,另外一方面,她给人一种似曾相识的感觉——港版《天龙八部》当中的马夫人的扮演者,似有她的神韵。


后来看了《淑女伊芙》,让我觉得为斯坦威克量身定做了一部电影。在这部影片当中,斯坦威克饰演的女骗子,在前半段,极尽可能地去诱惑亨利·方达这个从亚马逊来的老实人。然而没多久,高明的斯坦威克,却完全陷入了这段由自己挑起的爱情当中。


在那个被称作是影史最性感的镜头当中,斯坦威克一边说话一边玩弄着方达,变成了一个掉进自己设入的陷阱的、美丽聪明的骗子。「人们说洒满月光的甲板就是一个女人的事务所」。斯坦威克一生出演了多种不同的角色。在那个好莱坞大制片厂时代,女星逃脱掉自己本来的定位、尤其是「从良」之路,并不容易。


而斯坦威克能拿捏好淑女、烈女、蛇蝎美人,或者是青春娇艳才华横溢、或者是卖弄风骚厚颜无耻。这与她精湛的演技、对自己的严格要求、极高的悟性以及一张极具可塑性的脸蛋不无关系。


她曾经四提奥斯卡最佳女主角,被称作是没有获得奥斯卡的最优秀的女演员。学院在1987年,颁给了她终身成就奖。 斯坦威克为人热心;尽管她出身贫寒,早早踏入演艺圈,但是她在提携后辈方面,尽心尽力;在势利的好莱坞,给予盖博、威廉·霍尔登等人母爱般的温暖,堪称是当时好莱坞的大姐大。


她对待罗伯特·泰勒,「不求天长地久,但求曾经拥有」。她与泰勒秘密结婚,在最好的时光陪伴泰勒十多年。后来她的公寓起了一场大火,而令她最遗憾的,也是失去了泰勒写给她的情书。


多年后,米高梅撮合斯坦威克和泰勒,在《夜行人》中饰演夫妻,一直未再嫁的斯坦威克落落大方:「只要泰勒夫人答应,我没问题」。 好莱坞女演员琼·布朗德尔曾这样提及斯坦威克:斯坦威克小姐让我们笑,让我们哭,让我们想拥抱她。


代表作:《双重赔偿》



松田优作

推荐人:飞鸟冰河



有人说,松田优作对日本影视的最大贡献是留下了两个有颜值有演技的儿子,松田龙平和松田翔太。这话有一定玩笑的成分,但也不能不说是一个遗憾。


作为日本七十年代的多面手,松田优作在事业的上升阶段,却不幸罹患睾丸癌,于40岁的年纪英年早逝,实在是天妒英才。否则以他的能力和人脉,或许能取得和高仓健不相上下的成就。


松田优作是日韩混血,母亲是韩国人,原名「金优作」,后归化入籍。这个混血的身份,其实对他的一生都有很大困扰,尤其是在演艺事业的早期,备受业内同行排挤,连龙套都得不到,只能从场工做起。


因为改名,连带韩国观众也斥骂他为叛徒。这种如乔峰一般处于夹缝中的生活,使得优作对于人物内心的挣扎和困顿有格外的体会,因此尽管外貌出众,身手矫健,但优作后来的转型之路却很顺畅,因为对他来说,谨慎的表达情绪就是常态,而这种谨慎让他的演技在细微之处格外精湛,无怪森田芳光导演为了他宁可延期开拍,也要与他合作。


松田优作成名于动作片,这是一部如今看来颇有些简陋的作品,《向着太阳怒吼》,但优作不是简单的表现人物的愤怒,而是在愤怒中不停追问,以至于他在片中最著名的台词「这是为什么啊啊啊啊」成为当年日本社会的流行语之一。


不过对于中国观众来说,优作的电影最熟悉的莫过于《人证》,这部片子在八十年代的中国曾经风靡一时。这是个日美黑白混血被母亲残忍杀害的故事,优作在片中扮演负责调查的警察,同样背负着不堪的过去。


因为自己出身的缘故,优作在拍片时格外投入,将日本战后年代的艰难,和社会思潮的混乱,在追查的过程中一点点带了出来。本片曾经入选当年《电影旬报》十大佳片行列,是当初日本社会派推理电影的代表作。


优作也曾因为本片,前来中国与观众交流,反思战争对人类的摧残。 松田优作在《人证》之后,开始逐渐转型,80年代初与森田芳光导演的首次合作,让他拿到了《电影旬报》评选的最佳男主角。与森田导演的第二次合作,让他获得了日本电影学院奖的提名,可惜直到他去世之后,才获得了专门为他颁发的特别奖。


个人认为,优作最好的作品,是他的最后一部作品,《黑雨》。这部由雷德利·斯科特导演,迈克尔·道格拉斯和高仓健联袂主演的作品中,优作扮演一个日本黑道大哥,戏份不算多,算是配角。但他用眼神和肢体动作,将日本黑道人物的冷漠和凶残演绎的淋漓尽致,尤其是残杀美国警察的一幕,单手持武士刀,从黑暗中骑着摩托车,如同骑士一般冲锋,刀刃在地面带出灿烂的火花,点亮了他嘴边的狞笑。


手起刀落之时,银幕前的观众见识到了什么是地狱里走出的恶魔。不到两分钟的戏份,优作抢走了所有的风头。让前辈高仓健和美国愣头青迈克尔·道格拉斯都失去了颜色。


多年之后,我在一个名叫吴镇宇的演员身上看到了几分优作的影子。 因为《黑雨》的成功合作,好莱坞注意到了优作,已经向他递出了橄榄枝。可惜的是,《黑雨》在开拍之前,优作已经得到确诊,罹患睾丸癌,无法医治,生命剩下不超过一年。他隐瞒了这个消息,开了一年的止痛药,做好了全部的后事安排,完成了《黑雨》的拍摄,整个过程中没有一个人知道他将不久于人世,直到片子剪辑完毕,准备首映,邀请他参加首映式,才得知他病入膏肓的消息。


对着探望的高仓健,他说「男人活着应该坚强,即便是死,也要像大象那样,默默前往自己的归宿,不要惊扰别人。」这段话说的同为硬汉的高仓健也落泪。


优作的一生很短暂,也并不完美,他的感情生活比较乱,曾经婚内出轨,但前妻在多年之后仍承认死心塌地爱他,不肯多说一句怨言。而他对前妻也非常照顾,为了孩子,劝慰前妻继续用「松田」的姓氏,以便给孩子有个比较好的将来。


在演艺方面,他没有因为自身的外貌出众而选择那条容易的路,也没有因为混血的身份放弃追求,直至死前,他都践行着「把戏演好,哪怕是个坏人」的格言,精益求精。


虽然他已经去世多年,但时至今日,仍旧是我心中日本最好的男演员之一。因为他的不完美,他的早逝,他的坚强,他在我心里不仅仅是个出色的演员,也是一个出色的男人。


代表作:《其后》



武满彻

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日本作曲家武满彻。由于本人没有专业音乐知识,有术语使用等错误还请各位大大指正。


武满彻在其有生之年与不少日本导演有过合作,其中不乏黑泽明、小林正树、筱田正浩、大岛渚和敕使河原宏等蜚声国际广为人知的大导演。诸如《乱》、《切腹》、《盲女阿玲》、《爱之亡灵》和《砂之女》等经典作品的配乐都出自武满彻之手。


武满彻作品相比一般常见影视配乐显得十分与众不同。大部分作品乍一听极为怪异,很多根本没有「旋律」可言,非常氛围化。也正是如此,才让他的配乐在片中显得极不「突出」,往往只有开头字幕,或需要配乐(甚至有时只是一段短促的「音效」)推动剧情,增强当前情节冲突的作用。


当然武满彻的配乐也不乏动人之作,比如敕使河原宏《他人之颜》中那首德文舞曲。 最让我印象深刻的是《砂之女》中,村民要求男女主角在众目睽睽下发生关系的段落,急促的鼓点,让人物矛盾顿时达到「爆点」,无比精彩。


《怪谈》第一章「黑发」中,男主回到早已破败不堪的家中时那段配乐,也让人印象非常深刻。另外《夺命剑》开头演职员字幕部分配乐也很有趣。


下面是关于武满彻的基本信息,就是复制粘贴啦:1930年10月8日生于东京。师从清濑保二学习音乐。19岁前后与作曲家汤浅让二和钢琴家圜田高弘等组成艺术家社团 「实验工房」 ,并开始作曲 。1957 年创作《弦乐追思曲》,别有新趣,影响较大。


60年代作有由17件弦乐器演奏的《地平线上的多里亚》、琵琶、尺八和乐队演奏的《十一月的阶梯》、钢琴和乐队演奏的《星群》等,逐渐蜚声国际乐坛。70年代后的作品有《鸟儿飞落到星状的院庭》等9首管弦乐曲,雅乐曲《秋庭乐·一具》 ,弦乐四重奏《仅有的路》,以及不少电影音乐和室内乐作品。


武满彻并非是学院派出身。说起来,这位作曲家曾在中国度过八年时光,1930-38,生下来不久就被父亲带到中国。八岁回日本读书。1944年,日本战败前夕,连十四岁的武满彻也被征召入伍,他在军中第一次接触到西方音乐,那是一张老唱片,录的是一首法国歌曲。


战后,武满彻在美军基地打杂,通过美军的广播网,听到大量西方音乐。16岁时,武满彻下决心从事作曲,尽管此前,他的专业音乐训练是空白。这位二十世纪东方的音乐大师几乎是自学成才的。武满彻开始作曲的时候,追随的是德彪西与梅西安,早期作品就显示出贯穿作曲家一生的特点,对音高音色的敏感,旋律模式总是缓缓浮现在半音化的背景上。


五十年代,先锋派是最时髦的,武满彻也曾尝试电子音乐和很激进的作曲手法,譬如用两个表演者,反复诵读日语中的「爱情」单词,还去录下水的流动声,可称谭盾的先驱了。


六十年代其作品的特色就是分离,听起来支离破碎,有点像点彩画法,大量用到拨奏,这点在七十年代的作品中还留下明显痕迹。 武满彻成名于世界乐坛,部分归功于斯特拉文斯基,后者听了他的《弦乐安魂曲》后,宣称这是一部杰作。


六十年代,武满彻开始与凯奇合作。凯奇音乐技法中的那种不确定性是否影响到了武满彻呢?也不尽然。早在五十年代末,武满彻还没有接触到凯奇音乐时,就已经将偶然性引入音乐。


相比起音乐技法,更重要的是凯奇那一代美国作曲家们对东方传统音乐的崇拜态度,对武满彻起到关键影响。作曲家于1988年回忆说,在我作曲早期,总挣扎着避免日本音乐的影响,以为那才是音乐现代化的道路。而在和约翰·凯奇交往后,我转而意识到自身传统的价值。


代表作:《切腹》



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